Un barbero judío que combatió con el ejército de Tomania en la primera guerra mundial vuelve a su casa años después del fin del conflicto. Amnèsico a causa de un accidente de avión, no recuerda prácticamente nada de su vida pasada y no conoce la situación política actual del país: Adenoid Hynkel, un dictador fascista y racista, ha llegado al poder y ha iniciado la persecución del pueblo judío, a quien considera responsable de la situación de crisis que vive el país. Paralelamente, Hynkel y sus colaboradores han empezado a preparar una ofensiva militar destinada a la conquista de todo el mundo
Sabías que...
Esta ingeniosa parodia sobre el fascista Adolf Hitler se estrenó en 1940. A pesar del tono cómico, Chaplin deja definido su compromiso político en la película. Los Estados Unidos querían permanecer al margen del conflicto europeo, y por ello tuvo problemas con su creación. A pesar de que la Segunda Guerra Mundial ya había comenzado, aún, el horror del exterminio judío no se había llevado a cabo. El propio Chaplin confesó años más tarde que, de haber sabido de los crímenes sobre el pueblo judío, nunca hubiera realizado la película. Por la desgracia de los terribles sucesos que no hace falta recordar, esta película aún conserva un tono de comedia satírica. En España, otra dictadura censuró la obra maestra y no se pudo proyectar en las salas de cine hasta 1975. Por la genial doble interpretación en El gran dictador, el actor obtuvo su primera y única nominación para el Oscar al mejor actor. No lo ganó, pero es que en 1940 la competencia no podía ser más intensa. Además de Chaplin los otros nominados eran: Henry Fonda por "Las uvas de la ira", Laurence Olivier, por "Rebeca", Raymond Massey por "Abraham Lincoln" y James Stewart, que fue el ganador, por su inolvidable actuación en "Historias de Filadelfia". Minutos de Oro Cabe destacar, el colofón final de esta maravilla, donde el productor, escritor, director y actor principal, nos regala un extraordinario discurso ante las tropas alemanas. Palabras llenas de una paz que distaba mucho de los acontecimientos que estaban por llegar.
El magnate de la prensa Charles Foster Kane (Orson Welles) fallece, acompañado solamente por sirvientes, en su gran mansión pronunciando una única palabra: "Rosebud". Con la intención de averiguar su significado un periodista comienza una investigación con las personas que vivieron y trabajaron con Kane. Las entrevistas se suceden y con cada persona afloran vivencias y recuerdos que ayudan a modelar la compleja imagen del fallecido millonario, pero, que no aportan datos sobre la misteriosa palabra. Sólo el espectador conocerá su origen y significado que engloba temas como el anhelo de las cosas perdidas y los valores realmente importantes.
Sabías que...
Como ya es conocido, hace unos años, la Academia de Cine de Estados Unidos eligió a Ciudadano Kane como la mejor película jamás realizada. Aunque como en todo, esto es opinable, sin duda nos encontramos ante una de las grandes obras del cine, y en particular del gran Orson Welles.
La película está basada en el magnate de la prensa Hearst, quien intentó comprar la cinta para que no se estrenara. Ante la negativa de la productora, utilizó todo su poder para presionar a la RKO con la obsesión de que no llegara a las salas de cine. Para que nos hagamos una idea de quién era este magnate, digamos que fue el que en sus diarios sensacionalistas «Examiner» y «Morning Journal», precipitó en 1898 la declaración de guerra de EEUU a España. Hearst quería que el pueblo, y el presidente norteamericano, se pusieran a favor de la insurgencia cubana contra la metrópoli, España. Los periódicos tuvieron gran influencia para que finalmente la guerra estallara. Fue denominda como la primera guerra de la prensa amarilla, que no dudaba en mentir, exagerar o alterar la verdad. Toda esta miserable táctica, quedan reflejadas en la película de la mano de Welles.
Cabe destacar, que el director de la obra fue un visionario del nuevo cine que muchos no se atrevían a realizar. La gran puesta en escena y la utilización detallada del gran angular y profundidad de campo, son los aspectos mas destacables. El director de fotografía Gregg Toland, fue el cupable de gran parte del éxito. Minutos de Oro
Si me decidiera en poner cualquier fragmento de la película, estaría menospreciando al resto de la cinta. Así que me he decidido por el principio, en el que Charles Foster Kane (Orson Welles) nombra la tan famosa palabra de "Rosebud".
Dos músicos, Joe (Tony Curtis) y Jerry (Jack Lemmon), presencian la Masacre de San Valentín en Chicago en 1929, hecha por la Mafia. Son perseguidos por los gángster, que quieren deshacerse de estos incómodos testigos y al no tener dinero para huir de Chicago, se disfrazan de mujeres e ingresan en una banda de música de chicas, entre las que se encuentra Marilyn Monroe.
Sabías que...
Some like it hot, más conocida en España con el nombre de Con faldas y a lo loco, ha sido aclamada mundialmente como una de las mejores comedias jamás realizadas. La película es considerada de significado cultural por la Biblioteca del Congreso de Washington y seleccionada para su preservación en la National Film Registry.
David O. Selznick rechazó producirla, fue la Metro quien finalmente la acepto para convertirla en toda una leyenda de la mano de Billy Wilder. Éste supo exprimir como nadie el gran talento de un casi desconocido Jack Lemmon, junto a los consagrados Tony Curtis y Marilyn Monroe. Aunque alguno de los que lean estas líneas no estará de acuerdo con que la bella Marilyn gozara tal talento, siento disentir. Y es más, creo que la rubia de curvas peligrosas, tiene tanta o más importancia en el éxito de Con faldas y a lo loco que la pareja masculina de actores principales.
Pero independientemente del duelo interpretativo que mantuvieron el famoso trío, hay algo en lo que la bella rubia ganó sin la menor duda. Casi todas las anécdotas del rodaje se las llevó ella, independientemente de que fueran verdaderas o falsas, creo que fueron parte de un gran montaje de marketing que sin dudar dieron los frutos esperados.
Entre algunas cabe destacar le de que Marilyn Monroe llegaba todos los días al plató un par de horas más tarde que el resto de compañeros. También otras como la de que a veces se encerraba en su camerino y se negaba a salir, u otra como la obligación de que estuviera Pula Strassberg, su profesora de interpretación, en cada toma para que reafirmara lo bien que lo había hecho ante la mirada atónita de los presentes. Billy Wilder harto de todas las extravagancias de Marilyn comentó en una ocasión al finalizar una toma: "¿Lo ha hecho bien, Paula?".
En otra ocasión, ante el constante absentismo de la actriz, el director comentó: "Antes quedabas con ella a las nueve y llegaba a las once... ¡Ahora la llamas en Mayo y se presenta en Octubre! Una vez le recriminé su tardanza y se excusó diciendo que se había perdido de camino al estudio. ¡Siete años viniendo al estudio y se pierde por el camino! Al principio estaba enfadado porque pensé que no me decía la verdad. Luego fue peor cuando supe que me estaba diciendo la verdad."
Billy Wilder tuvo que repetir cincuenta y nueve veces la secuencia en la que Marilyn Monroe pregunta: "¿Dónde está el bourbon?", bien porque no conseguía decir la frase correctamente o porque directamente la olvidaba. Había que ir colocando su texto por distintos lugares del estudio. El director estaba tan harto de ella que se aseguró de no la invitaran a la fiesta de fin de rodaje. Durante el rodaje, se dice que Marilyn Monroe tuvo serios problemas para recordar su texto.
Pero también cuentan los que escribieron sobre el rodaje de la película, que no sólo el famoso director sufrió en sus carnes las excentricidades de Monroe. Tony Curtis fue muy crítico con ella, decía que era una mujer con un cuerpo de una diosa y el cerebro de un niño de cuatro años. En una ocasión, al preguntarle por lo que sentía cuando besaba a la protagonista, respondió: "Fue como besar a Hitler".
Pero cerremos el bloc anecdotario y quedémonos con la gran película en sus conjunto. Con un guión de Billy Wilder y de I.A.L Diamond que ha pasado a la historia.
Quién no se acuerda de...
— ¡No me comprendes Osgood! Aaah... ¡Soy un hombre!
— Bueno, nadie es perfecto. Minutos de Oro
En una película en la que cada escena es mejor que la anterior, sería fácil en el momento de Oro, que sin duda sería el último diálogo. Pero creo que hay un momento en la película imprescindible y que tiene que ver con la principal protagonista de este artículo, y es cuando interpreta la canción I Wanna Be Loved By You que hizo mundialmente famosa, su canción más mítica junto con Diamonds Are A Girls best Friend.
La película transcurre en el trayecto que hace una diligencia desde de Tonto hasta Lordsburg. En ella, un disparejo pasaje tendrá que enfrentarse al duro viaje y a la tensión por sus difíciles caracteres: la señora Lucy Malory mujer de un capitán de la caballería, quién está embarazada y que quería reunirse con su marido, un banquero que supuestamente tenía que cerrar un negocio, y Hartfield un antiguo soldado confederado que en esos momentos se dedicaba a ser un jugador de ventaja y pistolero, antiguo amigo de la familia Malory, y que decidió ponerse al servicio de la señora Malory. El último de los tripulantes es un comerciante de alcohol, que no tarda en tener al doctor Boone entre uno de sus mejores amigos. para más inri, los apaches liderados por Gerónimo, serán unos invitados no muy deseados.
Sabías que…
Orson Welles era un gran admirador de John Ford, después de ver cuarenta veces la película del oeste, llegó a afirmar que: “La diligencia fue una gran inspiración para Ciudadano Kane", en ella observó los planos de grandes fondos que más luego utilizaría con su propia técnica.
John Ford está considerado como uno de los más grandes realizadores de cine, además del mejor director de películas de westerns. En este género podemos destacar una de sus obras cum laude, la trilogía sobre la caballería americana: Fuerte aparche (1948), La legión invencible (1949) y Río grande (1950).
James Stewart dijo del director de La diligencia: “Junten todo lo que hayan oído en sus vidas, multiplíquenlo por cien y seguirán sin tener una idea de quien era John Ford”
Un principiante John Wayne, sustituyó a Gary Cooper que iba a ser el que interpretara el papel de Ringo. El alto caché de la estrella hollywoodiense y la cabezonería de Ford, lanzaron finalmente al estrellato al que se convertiría en un icono del género western. Cabe destacar la gran aparición de Wayne en la película, es una de las mejores escenas rodadas en la historia del cine. Por otra parte, el gran actor secundario Thomas Mitchell está soberbio como médico borracho, con este trabajo consiguió el tan preciado Oscar.
Minutos de Oro
Es una gran producción en el que podemos encontrar romance, humor, drama, acción… Como pasa con las grandes películas, es difícil elegir los minutos de oro. Así que he elegido la parte donde el director nos presenta en escena a parte de los protagonistas, incluido el oscarizado Mitchell.
Antes de conocer a la aspirante a actriz Kathy Selden (Debbie Reynolds), el ídolo del cine mudo Don Lockwood (Gene Kelly) pensaba que lo tenía todo; fama, fortuna y éxito. Pero, tras conocerla, se da cuenta de que ella es lo que realmente faltaba en su vida. Con el nacimiento del cine sonoro, Don quiere filmar los musicales con Kathy, pero entre ambos se interpone la reina del cine mudo Lina Lamont (Jean Hagen).
Un musical donde se recoge toda la historia del cine, y que destaca de entre todos los pases musicales, el que se realiza al final de la película con la transición del cine mudo al sonoro.
Sabías que…
El mejor musical de la historia, producido por la Metro Goldwyn Mayer, está lleno de anécdotas. La más importante y casi trágica para la cultura de todos los tiempos, fue la de que la cinta original se quemó en un incendio y gracias a una copia podemos seguir disfrutando de ella. Otra curiosidad la encontramos en la famosa escena de baile bajo la lluvia, el agua artificial que utilizan es una solución salina ligeramente mezclada con leche para que se pueda captar con la cámara.
Gene Kelly era tan perfeccionista que durante el rodaje hizo la vida imposible a las bailarinas con las que ensayaba y rodaba, se cuenta que alguna de ellas llegó a sangrar de los pies por la intensidad que el protagonista ponía en el rodaje.
En definitiva, a pesar de que hay indicios suficientes de que el mítico musical es un plagio de Be a down, no resta ni un ápice a la gran película en la que el director Stanley Donen se matriculó para la posteridad. Minutos de Oro
En este espacio no podían ser otros los minutos de oro, y he elegido la impresionante escena final que da nombre a Cantando bajo la lluvia. Este pase supuso un desembolso económico de seiscientos mil dólares y a pesar de que se rodó en una sola toma, fue la escena que más tiempo les llevó en ensayos. Dieciocho horas diarias por conseguir la total perfección. El día en que se realizó la grabación, Kelly apareció en el plató con cuarenta grados de fiebre, pero el actor y bailarín no quiso retrasar la grabación y finalmente aquella jornada se saldó con un rotundo éxito. Disfruten del pase.
En sel siglo X el duque William de Ghent se encuentra en plena guerra, por lo que envía al caballero Chrysagon de la Cruz a defender el territorio de Normandía de los invasores frisios, que se resisten ante el avance de la civilización cristiana. En esta aventura le acompañan el servidor Bors y su cruel y vanidoso hermano Draco. Por el camino conocerá a la bella Bronwyn, de la que se enamorará, ella está comprometida, pero él aprovechará su derecho de pernada por miedo a perderla. Esto causara una revuelta entre los campesinos, que finalizará con el asalto a la atalaya.
Sabías que…
Charlton Heston llegó a esta película como actor curtido en papeles heroicos, lo podemos comprobar en la superproducción Ben Hur y en la interpretación de don Diego Díaz del Vivar “El Cid”. Con estas premisas, no es de extrañar que la película ambientada en el feudalismo medieval fuera todo un éxito. Al director Franklin J. Schaffner, esta película le valió para sacarlo del casi anonimato, tan solo había rodado tres obras; años después rodaría El planeta de los simios y Platton, que lo consagrarían como un gran director. Una de las anécdotas más relevantes de la película, la cuenta Charlton Heston en sus memorias, narra que durante el rodaje un joven llegado de la escuela cinematográfica, interrogaba sin coger aliento a Schaffner. El alumno con tanta incontinencia interrogativa no era otro que el ahora maestro del cine Steven Spielberg. Para la elaboración de esta obra se contó con un presupuesto paupérrimo, pero con unos resultados extraordinarios. No se ven grande catapultas lanzando inmensas piedras con fuego, tampoco vemos a millares de soldados luchando en abiertos campos o asaltando descomunales castillos; pero lo que si nos vamos a encontrar es una gran lucha interpretativa entre los actores. El ya nombrado Heston esta colosal en el papel de caballero, pero no es menos la interpretación de los secundarios Richard Boone, Rosemary Forsyth y Maurice Evans. Los minutos de Oro En esta sección voy a incluir unos minutos de la magistral interpretación de Charlon Heston, muy bien caracterizado para esta gran obra.
Unos mafiosos se encuentran retenidos en un hotel por culpa de una fuerte tormenta en la costa de Florida. Entre ellos se encuentra uno de los capos de la mafia, Johnny Rocco, quien se hará con el mando del hotel intimidando con su arma a la dueña del hotel, a su inválido suegro y a un veterano de guerra que había llegado para visitar a la familia de un compañero muerto en el frente. Este último parece ser el único que se puede enfrentar al mafioso y sus compinches, pero la guerra de la que acaba de llegar le ha hecho perder los valores por los creyó en un tiempo atrás.
Sabías que…
Curiosamente John Huston ganó, el mismo año que se estrenó Cayo Largo, dos Oscar a título personal por otra película titulada El tesoro de Sierra Madre.
Cayo largo, como se tituló en España, está inspirada de una obra de teatro de igual título, pero el guionista Richard Brooks entendió que era interesante modificar parte del guión, y así el papel de Humphrey Bogart cogió más fuerza en la película, convirtiéndolo en un exiliado de la guerra civil española.
Aunque se pueda decir de ella que es una película lenta, claustrofóbica, que Bogart está tan inexpresivo como en toda su filmografía, que hasta Lauren Bacall pierde en esta película el reinado de mejor actriz del cine negro, y que su mirada que la hizo tan famosa no causa el efecto deseado, es ante todo una gran película gracias a los inmensos papeles secundarios de Edward G. Robinson, Lyonel Barrymore y Claire Trevor. Probablemente la película con los mejores secundarios de la historia.
Esta fue la cuarta y última película de la singular pareja Bogart y Bacall. Los minutos de Oro
Claire Trevor consiguió la estatuilla dorada por su interpretación de una cantante fracasada que se ha convertido en una alcohólica y concubina de Rocco. En esta sección le vamos a rendir un merecido homenaje con unos minutos de su genial interpretación.
George Bailey es un hombre que siempre ha ayudado a los ciudadanos de su pueblo, se sacrificaba por los demás mientras a duras penas mantenía a flote su empresa de empréstitos. Cuando cree haber perdido una gran suma de dinero, decide quitarse la vida, pero cuando está ante el abismo del suicidio aparece Clarance, su ángel de la guarda. Éste necesita hacer méritos para recuperar sus alas, y tendrá que convencer al bueno de Bailey, haciéndole ver lo que sería la vida de sus más allegados sin él.
Sabías que…
Estamos ante un clásico del cine y es la película que más se ha emitido en las televisiones de todo el mundo durante las fechas navideñas.
En esta mezcla de drama, comedia y fantasía, James Stewart hace uno de sus mejores papeles, aquí desplegó su lado más sensible y encantador en la gran pantalla y eso le valió para estar nominado al Oscar. Pero si hay algo que destaca por encima de todo lo demás, es la dulce sensibilidad que aporta Kapra a lo largo de toda la película. Parte de sus personajes son gente que lucha día a día por mantener a sus familias y procurar un bienestar a la gente que les rodea, despreocupados del propio egoísmo material.
El estupendo papel de Henry Travers haciendo de un ángel entrañable, también forma parte de la magia de esta maravillosa producción.
Al cine de Capra siempre se ha denominado como ingenuo, ternurista y demasiado bienintencionado. Precisamente “Qué bello es vivir” es la película que suele usarse para apoyar estas acusaciones.
Es la única película producida, financiada, dirigida y escrita por Frank Capra. Costó casi cuatro millones de dólares.
Los minutos de Oro
Aquí os dejo un fragmento de la película, exactamente el final, cuando todo el pueblo se a cerca hasta su casa para ayudarlo. La producción es sencillamente encantadora de principio a fin.
Bergman también ha sido reconocido como un gran director de teatro, escritor y mejor guionista. Como director de obras de teatro está influenciado por su compatriota August Strindberg y los archifamosos Shakespeare, Ibsen y Molière. Parte de su obra cinematográfica está influenciada por la educación luterana de pecado, confesión, castigo y redención que recibió desde pequeño. Sus padres eran muy estrictos y consideraban la buena conducta y la represión de los instintos como virtudes. En sus memorias dijo: «Casi toda nuestra educación estuvo basada en conceptos como pecado, confesión, castigo, perdón y misericordia, factores concretos en las relaciones entre padres e hijos, y con Dios». La mejor película donde nos muestras todos esos sentimientos se titula "Fanny y Alexander".
Con todo lo anterior, el cine entra por primera vez en su vida cuando tenía apenas nueve años. Recuerda ese momento de la siguiente manera: «Lo que yo más deseaba en el mundo era un cinematógrafo. Un año antes había ido al cine por primera vez y había visto una película que trataba de un caballo, creo que se titulaba Belleza negra y estaba basada en un famoso libro infantil. La pasaban en el cine Sture y nosotros estábamos en la primera fila del anfiteatro. Para mí ése fue el principio. Se apoderó de mí una fiebre que no desaparecía. Las sombras silentes vuelven sus pálidos rostros hacia mí y hablan con voces inaudibles a mis más íntimos sentimientos. Han pasado sesenta años y nada ha cambiado, sigue siendo la misma fiebre». En la mayor parte de la filmografía del realizador sueco, sus personajes son atravesados por los mismos caminos en que se internan. Se trata de trayectorias que los reconducen hacia sí mismos, hacia su propia alma, hacia su propia conciencia. Son recorridos íntimos, enigmáticos, que muchas veces se apoderan del espectador transportándolo a una experiencia estrictamente personal e inquietante, en la medida en que sus personajes realizan aquella trayectoria sobrecargada por un denso dramatismo, aquél que implica desnudar el alma humana en forma genérica.
Dentro de su extensa filmografía se pueden distinguir varios periodos, por su temática y por su estética: aprendizaje, primeras obras maestras, madurez y moderno..
En la primera etapa de prendizaje 1946-1950, podemos incluir su trabajo como ayudante de dirección en la película "Tormentos" de 1944, en la que dirige las últimas escenas de este clásico. Un año después fue su debut oficial con la película Crisis, una historia que pasó con más pena que gloria.
No fue hasta 1949 cuando triunfó por primera vez fuera de su país. "Prisión" fue un drama con personajes torturados, la historia se desarrolla en un hospital psiquiátrico.
Las primeras obras maestra 1951-1955, llegan con la película "Juegos de verano" de 1951 en donde se empieza a manifestar el singular sello de Bergman. Un aire nuevo para el cine y donde se perfilan algunos de los actores puramente "bergmanianos", como el sueco Maj-Britt Nilsson. En 1953 triunfa en Francia con la película "Un verano con Mónica", interpretada por la pareja del director Harriet Anderson. Sonrisas de una noche de verano de 1956 es una comedia con la que aportó su singular estilo a este género.
La madurez llega entre 1957-1960, aquí ya nos encontramos con la primera obra maestra reconocida internacionalmente, "El séptimo sello" de 1957 fue interpretada por Max von Sydoy y Bibi Andersson, quienes se enfrentan interpretativamente con la muerte y la desolación del ser humano. En el mismo año rodó "Fresas salvajes", donde Bergman se interna en la meditación sobre la madurez, el sentido de la experiencia y de la vida, la filosofía de la vejez y las relaciones con su padre que muestra en casi todas su obras. El año 1958 realizó uno de sus mejores títulos, "El rostro" es una película de cierta estructura teatral, que está enmarcada en una atmósfera de terror. Con "El manantial" de la doncella ganó el Oscar al mejor film de habla no inglesa, donde el sueco recrea una famosa leyenda nórdica.
En la época donde su cine se caracteriza moderno 1961-1980, comienza con una trilogía: "Como en un espejo" de 1961, "El silencio" de 1962 y "Los comulgantes" 1963, en las que reflexiona sobre la verdadera incomunicación, la fragilidad del ser humano y la incertidumbre. En 1966 el director rompió definitivamente con el clasicismo cinematográfico en la película "Persona", donde nos cuenta una historia de superación. Con "La vergüenza" de 1968, rueda su última obra en blanco y negro.
Algunos críticos enmarcan a "Pasión" de 1969 entre las veinte películas mejores de la historia, primera película en color, narra la historia de amor entre un humilde campesino y un joven de buena familia. "Cara a cara" de 1976 constituye una de las obras más personales del director. "El huevo de la serpiente" de 1977 cuenta los años clave del nazismo alemán. Pero fue en 1978 cuando estrena "Sonata de otoño", obra en la que por primera vez se juntaron Ingmar Bergman e Ingrid Bergman. El ocaso de su carrera cinematográfica como director, filma "Fanny y Alexander" en 1984, donde cuenta parte de su infancia.
A partir de ese momento, se dedica a filmar telefilms y documentales para la televisión sin que se pueda reseñar alguno tan importante como las películas de su extensa carrera de gran cineasta. En 2006 murió en Faro a los 89 años de edad.
FILMOGRAFÍA
Crisis (Kris) (1945)
Llueve sobre nuestro amor (Det regnar pa var kärlek) (1946)
Barco hacia la India (Skeep till Indialand) (1947)
Noche eterna (Musik i mörker) (1947)
Ciudad Portuaria (Hamnstad) (1948)
Prisión (Fängelse) (1948)
La sed (Törst) (1949)
Hacia la felicidad (Till gladje) (1949)
Esto no puede ocurrir aquí (Sant händer inte här) (1950)
Juegos de verano (Sommarlek) (1951)
Tres mujeres (Kvinnors vantan) (1952)
Un verano con Mónica (Sommaren med Monika) (1952)
Noche de circo (Gycklarnas afton) (1953)
Una lección de amor (En lektion i kärlek) (1954)
Sueños (Kvinnodröm) (1955)
Sonrisas de una noche de verano (Sommarnattens leende) (1955)
El séptimo sello (Det sjunde inseglet) (1956)
Fresas salvajes (Smultronstället) (1957)
En el umbral de la vida (Nära livet) (1958)
El rostro (Ansiktet) (1958)
El manantial de la doncella (Jungfrukällan) (1959)
El ojo del diablo (Djävulens öga) (1960)
Como en un espejo (Sasom i en spegel) (1961)
Los comulgantes (Nattvardsgästerna) (1962)
El silencio (Tystnaden) (1963)
¡Esas mujeres! (För att inte tala om alla dessa kvinnor) (1964)
Persona (Persona) (1966)
Daniel (Episodio de Stimulantia) (1967)
La hora del lobo (Vargtimmen) (1967)
La vergüenza (Skammen) (1968)
El rito (Riten) (1968)
Pasión (En passion) (1969)
La carcoma (Beroringen) (1971)
Gritos y susurros (Viskningar och rop) (1972)
Secretos de un matrimonio (Scener ur ett äktenskap) (1973)
La flauta mágica (Trollflöjten) (1974)
Cara a Cara (Ansikte mot ansikte) (1975)
El huevo de la serpiente (Das Schlangenei) (1977)
Sonata de otoño (Höstsonaten) (1978)
De la vida de las marionetas (Aus dem leben der marionetten) (1980)
Fanny y Alexander (Fanny och Alexander) (1982)
Después del ensayo (Efter repitionen) (1982)
En 1917 sustituyó a su hermano en la dirección de un western de corta duración. Ésta fue la primera de las 150 películas que habría de dirigir, más de setenta de las cuales pertenecen al período del cine mudo. Sus trabajos más importantes de esta etapa fueron para la Universal: Straight Shooting, Marked Men o Caminos de desesperación.
A mediados de los años veinte inició su colaboración en exclusiva con el productor William Fox, resultado de la cual fueron títulos como El caballo de hierro (1924), que lo consagró como uno de los grandes directores estadounidenses, Tres hombres malos o El legado trágico, la primera de sus películas dedicadas a temas irlandeses, que obtuvo un gran éxito.
Con la irrupción del sonoro, el cine de Ford experimentó una evolución no ya en lo temático, donde siguió abordando con gran hondura psicológica temas como la forma de vida propiamente estadounidense (en películas corales como la trilogía protagonizada por Will Rogers) o el comportamiento del individuo frente a acontecimientos que lo desbordan (entre los que cabe encuadrar títulos como La patrulla perdida o La diligencia, de 1934 y 1935 respectivamente), sino en lo visual y narrativo, terreno en el que se hizo patente la influencia del expresionismo alemán y en el que Ford fue aumentando poco a poco el alcance de su cámara para introducir como elemento clave del filme el entorno paisajístico (en particular, el Monument Valley de Utah).
Títulos destacados de las décadas de 1930 y 1940 fueron, amén de los citados, El delator (1935), por la que obtuvo su primer Oscar, El joven Lincoln (1939), Las uvas de la ira (1940), adaptación de la novela homónima de John Steinbeck que le supuso su segundo galardón de la Academia, Hombres intrépidos (1940) y Qué verde era mi valle (1941), retrato de una zona minera galesa y tercer Oscar para el director. Mención aparte merecen westerns como la trilogía dedicada a la caballería estadounidense (Fort Apache, 1948; La legión invencible, 1949; Río Grande, 1950) o Pasión de los fuertes (1946), centrada en el legendario tiroteo del OK Corral, que sentaron las bases del género y le valieron el beneplácito de crítica y público.
Además de contar siempre con un sólido elenco de secundarios (entre los que destacan nombres como los de Ward Bond o Walter Brennan), dos actores repitieron protagonismo en varios de estos títulos y se convirtieron en los rostros más característicos de su cine: Henry Fonda y John Wayne, que en 1952 aparecería de nuevo en el reparto de una de las obras maestras del director, El hombre tranquilo (1952), la historia de un boxeador estadounidense que, acosado por el fantasma de un homicidio involuntario, regresa a su Irlanda natal, en un intento de huir de sí mismo.
Tras el cuarto Oscar obtenido por este último título, Ford se convirtió en una auténtica leyenda viva de la cinematografía de Estados Unidos, a la que continuó enriqueciendo con nuevos filmes de creciente depuración estilística y formal como Mogambo (1953), una especie de western ambientado en África y una de sus películas más populares, la obsesiva Centauros del desierto (1956) y otras dos nuevas obras maestras: Dos cabalgan juntos (1961) y El hombre que mató a Liberty Valance (1962), ambas protagonizadas por James Stewart. El año 1966 dirigió Siete mujeres, un filme rodado en su totalidad en estudio, que narra los últimos momentos de una misión estadounidense en China y con el cual se despidió de la profesión.
FILMOGRAFÍA
Bucking Broadway (Bucking Broadway) (1917)
El amigo Cayena (Cheyenne's Pal) (1917)
Bajo sentencia de muerte (A Marked Man) (1917)
The Scrapper (The Scrapper) (1917) Hombre entre hombres (The Secret Man) (1917)
El bravoCayena (The Soul Herder) (1917
A prueba de balas (Straight Shooting) (1917)
The Tornado (The Tornado) (1917)
Trail of Hate (Trail of Hate) (1917
Delirium (Delirium) (1918)
El barranco del diablo (Hell Bent) (1918)
Bajo la máscara (Phantom Riders) (1918)
La gota de sangre (The Scarlet Drop) (1918)
Thieves' Gold (Thieves' Gold) (1918)
Lealtad (Three Mounted Men) (1918)
Wild Women (Wild Women) (1918)
La envenenada (A Woman's Fool) (1918)
El jinete de hierro (Ace of the Saddle) (1919)
Deuda pagada (Bare Fists) (1919)
El contrabandista (A Fight for Love) (1919)
The Fighting Brothers (The Fighting Brothers) (1919)
El hombre de las pistolas de oro (A Gun Fightin' Gentleman) (1919)
The Gun Packers (The Gun Packers) (1919)
The Last Outlaw (The Last Outlaw) (1919)
La fuerza de las circunstancias (Marked Men) (1919)
The Outcasts of Poker Flat (The Outcasts of Poker Flat) (1919
Rider of the Law (Rider of the Law) (1919)
El jinete vengador (Riders of Vengeance) (1919)
Hombres sin armas (Roped) (1919) La joven del cuarto 29 (The Girl in Number 29) (1920)
Ligaduras de oro (Hitchin' Posts) (1920)
Buenos amigos (Just Pals) (1920)
The Prince of Avenue A (The Prince of Avenue A) (1920)
Acción enérgica (Action) (1921)
Manos de hierro (The Big Punch) (1921)
Caminos de desesperación (Desperate Trains) (1921)
The Freeze-Out (The Freeze-Out) (1921)
Juanita (Jackie) (1921)
Sure Fire (Sure Fire) (1921)
El golpe (The Wallop) (1921)
La señorita sonrisas (Little Miss Smiles) (1922)
Silver Wings (Silver Wings) (1922)
El herrero de la aldea (The Village Blacksmith) (1922)
Sota, caballo y rey (Cameo Kirby) (1923)
The Face on the Bar-Room Floor (The Face on the Bar-Room Floor) (1923)
La jornada de la muerte (North of Hudson Bay) (1923)
Venciendo abimos (Three Jumps Ahead) (1923)
Hearts of Oak (Hearts of Oak) (1924)
Hoodman Blind (Hoodman Blind) (1924)
El caballo de hierro (The Iron Horse) (1924)
Corazón intrépido (The Fighting Heart) (1925)
Sangre de pista (Kentucky Pride) (1925)
Don Pancho (Lightnin') (1925)
Con gracia a porfía (Thank You) (1925)
El águila azul (The Blue Eagle) (1926)
La hoja de trébol (The Shamrock Handicap) (1926)
Tres hombres malos (Three Bad Men) (1926)
Ser o no ser (Upstream) (1927)
Cuatro hijos (Four Sons) (1928)
Legado trágico (Hangman's House) (1928)
¡Madre mía! (Mother Machree) (1928)
El barbero de Napoleón (Napoleon's Barber) (1928)
Policías sin esposas (Riley the Cop) (1928)
Shari, la hechicera (Black Watch) (1929)
El triunfo de la audacia (Salute) (1929)
Viva la ambición (Strong Boy) (1929)
El intrépido (Born Reckless) (1930)
Tragedia submarina (Men Without Women) (1930)
Río arriba (Up the River) (1930)
El doctor Arrowsmith (Arrowsmith) (1931)
Mar de fondo (The Seas Beneath) (1931)
La huerfanita (The Brat) (1931)
Hombres sin miedo (Air Mail) (1932)
Carne (Flesh) (1932)
Carne (Flesh) (1932)
Doctor Bull (Doctor Bull) (1933)
Peregrinos (Pilgrimage) (1933)
Judge Priest (Judge Priest) (1934)
La patrulla perdida (The Lost Patrol) (1934)
Paz en la tierra (The World Moves On) (1934)
El delator (The Informer) (1935)
Steamboat Round the Bend (Steamboat Round the Bend) (1935)
Pasaporte a la fama (The Whole Town's Talking) (1935)
María Estuardo (Mary of Scotland) (1936)
Prisionero del Odio (The prisoner of Shark Island) (1936)
La Osa Mayor y las estrellas (The Plough and the Stars) (1936)
Huracán sobre la isla (The hurricane) (1937)
La mascota del regimiento (Wee Willie Winkie) (1937)
Four Men and a Prayer (Four Men and a Prayer) (1938)
Submarine Patrol (Submarine Patrol) (1938
Corazones indomables (Drums Along the Mohawk) (1939)
El joven Lincoln (Young Mr. Lincoln) (1939)
La diligencia (Stagecoach) (1939)
El joven Lincoln (Young Mr. Lincoln) (1939)
Las uvas de la ira (The grapes of wrath) (1940)
Hombres intrépidos (The Long Voyage Home) (1940)
Qué verde era mi valle (How Green Was My Valley) (1941)
Sex Hygiene (Sex Hygiene) (1941)
La ruta del tabaco (Tobacco road) (1941)
La ruta del tabaco (Tobacco road) (1941)
The Battle of Midway (The Battle of Midway) (1942)
We Sail at Midnight (We Sail at Midnight) (1943)
El siete de diciembre (December 7th) (1943)
Pasión de los fuertes (My darling Clementine) (1945)
They Were Expendable (They Were Expendable) (1945)
No eran imprescindibles (1945)
Pasión de los fuertes (My darling Clementine) (1945)
El fugitivo (The Fugitive) (1947)
El fugitivo (The Fugitive) (1947)
Tres padrinos (Three Godfathers) (1948)
Fort Apache (Fort Apache) (1948)
La legión invencible (She Wore a Yellow Ribbon) (1949)
Río Grande (Rio Grande) (1950)
Caravana de paz (Wagon Master) (1950)
Bill, qué grande eres (When Willie Comes Marching Home) (1950)
This Is Korea (This Is Korea) (1951)
El hombre tranquilo (The Quiet Man) (1952)
The Raiders (The Raiders) (1952)
El precio de la gloria (What Price Glory?) (1952)
El Precio de la Gloria (WHAT PRICE GLORY ?) (1952)
Mogambo (Mogambo) (1953)
El Sol Siempre Brilla en Kentucky (The Sun shines bright) (1953)
Cuna de Héroes (The long gray line) (1955)
Escala en Hawai (Mister Roberts) (1955)
Rookie of the Year (Rookie of the Year) (1955)
Centauros del desierto (The Searchers) (1956)
La salida de la Luna (The Rising of the Moon) (1957)
Escrito bajo el sol (The wings of eagles) (1957)
Un crimen por hora (Gideon's Day/Gideon of Scotland Yard) (1958)
El último hurra (The Last Hurrah) (1958)
Misión de audaces (The horse soldiers) (1959)
Korea (Korea) (1959)
El sargento negro (Sergeant Rutledge) (1960)
Dos cabalgan juntos (Two Rode Together) (1961)
La conquista del Oeste (How the west was won) (1962)
El hombre que mató a Liberty Valance (The man who shot Liberty Valance) (1962)
La taberna del irlandés (Donovan's Reef) (1963)
La taberna del irlandés (Donovan's Reef) (1963)
El gran combate (Cheyenne Autumn) (1964)
Soñador rebelde (1965)
Siete mujeres (7 women) (1966)
Chesty: A Tribute to a Legend (Chesty: A Tribute to a Legend) (1970)
Los Padrinos (Los Padrinos) (1973)
